Festival de las Artes Latinas en Park City

Leon Araujo es un artista, muralista y emprendedor creativo latino, originario de Toluca (México), que actualmente reside en Ogden (Utah). Su obra se basa en la cultura, la identidad y la comunidad, y utiliza el arte público y la narración visual para crear obras que ayudan a las personas a sentirse vistas y representadas. A través de murales, ilustraciones y proyectos creativos, Leon combina un estilo contemporáneo atrevido con su experiencia vital, inspirándose a menudo en sus orígenes y en las comunidades que le rodean. Su práctica se basa en la creencia de que el arte puede honrar nuestros orígenes, celebrar la cultura latina en los espacios públicos y crear vínculos más fuertes entre las personas y el lugar.

Robinson Báez es un joven cuyo enfoque artístico se centra en crear historias, reflexiones, la belleza de la vida, sus momentos más sombríos y la historia del mundo. Es pintor y tatuador. Le encanta dibujar y pintar desde que era niño; su padre también es artista: pintor, tatuador y escultor. Le atrae todo lo relacionado con el arte.

Verónica es una teñidora y tejedora natural que vive entre Oaxaca y California. Tiñe a mano la lana utilizando pigmentos de origen vegetal e insecto, y teje cada pieza en un telar tradicional junto a su familia y su marido, dando continuidad a una práctica compartida arraigada en las tradiciones textiles zapotecas. A través de Huaje Art, colabora estrechamente con tejedoras y familias de artesanos, seleccionando piezas de tiradas limitadas que reflejan un compromiso con la artesanía, la integridad de los materiales y la continuidad cultural. Su trabajo une las técnicas ancestrales con una sensibilidad de diseño contemporánea, creando textiles destinados a integrarse en espacios modernos y pensados a conciencia.

Carolina Burdiles es una artista chilena con más de seis años de experiencia, especializada en la técnica del fieltro con aguja. Ha perfeccionado esta técnica gracias a una amplia formación con artistas tanto nacionales como internacionales. Sus creaciones favoritas son los belenes. Ella misma supervisa todo el proceso, desde la lana natural de oveja, pasando por la fase de teñido, hasta la escultura de las figuras, que están elaboradas íntegramente con este material. Cada pieza es única, ya que todas las figuras están 100 % hechas a mano. He participado en numerosos mercados por todo el condado de Utah y, en 2025, participé en el Latino Art Fest de Park City, donde fui reconocida como la mejor expositora del evento.

Luis Canelón, un artista multidisciplinar licenciado en Diseño Gráfico, es un apasionado de la fotografía y, de vez en cuando, se dedica a la ilustración a tinta.

A través de su fotografía, mi objetivo es alcanzar el realismo mágico. Le encanta descubrir el mundo y plasmarlo en su obra. Las historias nos rodean constantemente, y su intención es plasmarlas.

Ambar Chacín es una artista visual especializada en la pintura a mano y en la creación de piezas personalizadas que combinan sensibilidad estética, detalle artesanal y un enfoque contemporáneo. Su obra se caracteriza por una fuerte influencia del arte hecho a mano, en la que cada trazo refleja dedicación, intención y una búsqueda constante por crear piezas únicas que conecten emocionalmente con quienes las contemplan.
En 2025, Ambar fue galardonada con el Premio del Público en la cuarta edición anual de «Art at the Park – Student Art Showcase», un premio otorgado por el público que destaca la conexión de su obra con la comunidad y el poder expresivo de su producción artística.
Actualmente, continúa desarrollando su práctica artística a través de la creación de obras de arte personalizadas y proyectos visuales que celebran la creatividad, la identidad y el poder del arte artesanal.

Pablo Cruz-Ayala, artista nacido en México y criado en Utah, además de defensor de los inmigrantes, explora el impacto de la migración indocumentada en la identidad cultural a través de materiales urbanos e inspirados en la cultura chicana. Lo hace desde la perspectiva de la representación y el poder del activismo colectivo a través del arte. Con un profundo respeto por el patrimonio cultural de Utah y sus antepasados mexicanos, cuenta historias de amor y trabajo en las comunidades marginadas. La exploración de materiales y los principios científicos guían su trabajo para explorar las diferencias dentro de la identidad personal y la visibilidad colectiva. Utilizando impresiones 3D en resina, hormigón y materiales tradicionales de artes visuales, su obra desentraña una narrativa de las conexiones sociales en Utah. Comprometido con el arte y la praxis de la salud comunitaria, Pablo redefine las narrativas del desplazamiento, la pertenencia y la adaptación a través de la narración de historias y un enfoque centrado en la comunidad.

Alicia pintó su primer óleo a los nueve años en México, con un profesor particular de arte que sus padres habían contratado. Poco después, se mudó a Estados Unidos y, como tantas otras cosas de aquella época, el arte pasó a un segundo plano. Sin embargo, siguió manteniendo el arte muy cerca de ella durante sus años de colegio y, finalmente, obtuvo una beca Vice Presidential en Diseño Gráfico en el Utah Valley Community College.

Pero la sensatez siempre acaba imponiéndose, al menos por un tiempo. Se alejó, se labró una vida y siguió encontrando la manera de volver al arte de cualquier forma que pudiera. Al final, regresó por completo. Primero la acuarela, luego los acrílicos y, finalmente, de vuelta al punto de partida: los óleos.

Su obra explora lo que significa existir entre dos mundos: como mujer nacida en México y criada en Utah, como alguien que siempre ha sido «ni de aquí ni de allá», ni del todo de aquí, ni del todo de allá. Las pinturas tratan sobre la fuerza silenciosa. Sobre el hecho de ser subestimada e incomprendida. Sobre el fuego que sigue ardiendo sin importar lo que se deje de lado.

María Elena Gómez nació en Navil, Chiapas (México). Comenzó a familiarizarse con el arte del tejido a los 5 años, cuando su madre le enseñó a tejer en un telar de cintura. Primero le enseñó a hacer bolitas de hilo, a medir y a bordar, y finalmente a tejer. Más tarde se convirtió en enfermera trilingüe (tseltal, tzotzil y español) y trabajó en esta profesión durante 16 años. Sus tradiciones indígenas, su herencia, su cultura y sus conocimientos siempre han guiado su vida. Aunque la vida la alejó de su hogar a una edad muy temprana, casi cinco décadas después, cuando volvió a colocarse el telar alrededor de la cintura, sus manos sabían automáticamente qué hacer. Su deseo de centrarse en el arte textil como una forma de acercarse a sus raíces, y especialmente a su madre, es en gran medida lo que constituye el corazón de Textiles Luum.

Vicente J.C. Martínez Romo, artista plástico y diseñador multidisciplinar, nació en la hermosa Ciudad de México. Su amor natural por el dibujo y el arte se hizo patente desde muy temprana edad. Su interés fue cultivado por su hermano mayor durante la adolescencia, quien le animó a completar su licenciatura en diseño industrial. Por ello, no es de extrañar que algunas de sus obras estén relacionadas con el diseño de interiores, un campo en el que el artista se ha desarrollado profesionalmente.

Otra gran influencia es la del icono mexicano Ramón Valdiosera Berman, creador del «rosa mexicano», con quien trabajó durante más de diez años en la pintura mural. Vicente cursó un máster en Diseño Creativo Digital, lo que le ha permitido impartir clases en diversas universidades de la Ciudad de México desde 2006. Su dedicación le ha permitido promover y difundir su pasión por el arte y el diseño entre las nuevas generaciones.

Alejandro Mendoza es un artista textil que divide su tiempo entre Oaxaca (México) y California, y trabaja principalmente en un telar de suelo de estilo tradicional español. Arraigado en las tradiciones de tejido zapotecas que aprendió de su familia, su obra explora la intersección entre el patrimonio cultural y el diseño contemporáneo. Cada pieza se teje con lana teñida a mano con pigmentos naturales como la cochinilla, el índigo, la granada y la caléndula, creando composiciones que enfatizan el equilibrio, la textura y la forma arquitectónica. Su trabajo va más allá de la funcionalidad, posicionando los textiles como elementos espaciales y artísticos dentro de los interiores modernos. A través de El Huizache Studio, Mendoza desarrolla colecciones que honran las técnicas ancestrales al tiempo que se relacionan con un lenguaje visual refinado y contemporáneo.

Talavera Azul es un taller familiar situado en Puebla (México), donde cada pieza se elabora a mano, desde la preparación de la arcilla hasta la decoración personalizada de cada una de ellas. Se trata de un negocio familiar, y nuestro objetivo es seguir apoyando su crecimiento y desarrollo, especialmente mediante la importación de piezas que ayuden a la comunidad hispana de Utah a sentirse conectada con algo tan bello y emblemático de nuestra cultura. A través de la cerámica de Talavera, esperamos seguir compartiendo parte de nuestro patrimonio con las nuevas generaciones.

Fabiola Noschang es una artista nacida en Brasil y arquitecta de formación que reside en Utah, cuya obra explora la transformación de la energía en forma. Inspirada por las montañas, los minerales y las estructuras cristalinas que se encuentran en la naturaleza, crea piezas escultóricas que ella misma describe como «Paisajes cristalinos»: composiciones texturizadas que traducen la energía en forma. Utilizando compuestos minerales, pigmentos de tierra y cristales como el cuarzo y la selenita, Fabiola da forma a superficies luminosas que interactúan con la luz, la textura y el espacio. Guiada tanto por la estructura arquitectónica como por un proceso intuitivo, su obra refleja un diálogo entre la tierra y la energía, invitando al espectador a una experiencia contemplativa de quietud, presencia y conexión con el mundo natural.

Iván Ortega es un artista multidisciplinar nacido en Ciudad de México y que actualmente reside en Salt Lake City. Su trabajo se centra en dar a conocer su herencia y cultura mexicanas a través de sus grabados en relieve. Se inspira en su comunidad de inmigrantes, caracterizada por su gran esfuerzo y dedicación.

Ramón Ramos es originario de Baja California, México. Es un artista polifacético apasionado por crear experiencias únicas y significativas. A través de su obra, explora la intersección entre la cultura, la identidad y la creatividad. Creador artístico, pintor, escultor, bailarín y músico, su objetivo es inspirar y conectar con su público a través de sus proyectos artísticos. Se inspira en la naturaleza, la historia y la vida cotidiana para crear obras que reflejan la belleza y la complejidad del mundo que nos rodea. Como artista, su misión es utilizar su talento para tener un impacto positivo en su comunidad y en el mundo en general. A través de sus proyectos artísticos, espera inspirar a otros a explorar su propia creatividad y a encontrar su propia voz en este viaje de descubrimiento y creatividad.

Noemi Robles es una pintora paisajista al óleo originaria del hermoso estado de Michoacán, México. Gran parte de su obra se inspira en los paisajes ricos y coloridos tanto de Utah como de México.
Tras formarse inicialmente como educadora, Noemi compaginó su carrera docente con estudios artísticos continuos durante muchos años, perfeccionando progresivamente su técnica. En 2018, comenzó a vender y a exponer su obra y, desde entonces, ha ido ampliando su presencia a través de diversas exposiciones y eventos. Noemi trabaja ahora como artista a tiempo completo y está encantada de presentar su nueva colección de obras, que incluye puestas de sol y amaneceres de todo el mundo.

Elissa Sabbö es una artista plástica chilena cuya obra se centra en figuras femeninas solitarias en paisajes extensos, explorando temas como la soledad, la sensibilidad y la fortaleza interior. Sus pinturas combinan la imaginería occidental con un simbolismo personal, creando espacios evocadores que reflejan profundidad emocional y percepción intuitiva.

Verónica Sandoval es una artista contemporánea cuya obra se inspira en la antigua técnica europea del repujado, reinterpretada desde una perspectiva moderna y profundamente personal. Nacida en México y afincada actualmente en Arizona, su obra refleja un rico patrimonio cultural influenciado por las tradiciones mexicanas, españolas, italianas y nativas americanas.

Junto a su marido y compañero artístico, Gabriel, ha desarrollado una obra distintiva que fusiona la metalistería tradicional con colores vibrantes y una expresión contemporánea. Trabajando principalmente con cobre y aluminio, Verónica graba a mano cada pieza, creando texturas intrincadas y relieves tridimensionales. Gabriel colabora con las técnicas de oxidación que aportan profundidad, movimiento y ricas pátinas a la obra. Juntos, incorporan acrílicos y óleos, lo que da como resultado superficies luminosas que interactúan dinámicamente con la luz.

Joesph es un artista brasileño-estadounidense contemporáneo, nacido en Niterói, Río de Janeiro (Brasil), en 1941. Se dedica a la pintura figurativa con influencias románticas. Formado en artes gráficas y titulado por la Universidad Estatal de Míchigan (licenciatura) y la Universidad de Purdue (máster), trabaja principalmente con pasteles y óleos. Su arte está marcado por su educación brasileña y sus numerosos viajes, y refleja diversas culturas y la relación entre las personas y la naturaleza. La figura humana —la creación más compleja de la naturaleza— aparece de forma recurrente en su obra, donde el color, la forma y los momentos narrativos evocan emoción y una sensación de continuidad, sugiriendo que cada escena forma parte de una historia que aún se está desarrollando.

Melissa es la propietaria y repostera de Chunky Cookies. Su objetivo es llevar dulzura y alegría a todos aquellos que quieran disfrutar de galletas recién horneadas y repletas de deliciosos sabores. Todas las galletas se elaboran en una cocina autorizada en Utah.

Stephanie Blanco, una talentosa artista textil y tatuadora que aporta creatividad y pasión a cada obra que crea. Como madre soltera y dedicada a sus dos hijos, Stephanie no solo ha encontrado su voz a través del arte, sino que también ha descubierto que este es la herramienta más poderosa para forjar la vida que imagina para sus hijos. Le apasiona participar en eventos como este, en los que se celebra la rica cultura de su hermosa herencia mexicana. A través de su trabajo, Stephanie pretende inspirar a su hija y a su hijo, demostrando que el arte no conoce fronteras y que, con esfuerzo y dedicación, todo es posible. ¡Únete a ella en esta vibrante celebración de la creatividad y la cultura!

Leidy Johana nació en Colombia y emigró a Estados Unidos hace 11 años. Ya tenía algunos conocimientos sobre la creación de joyas en su país, pero fue aquí donde llegó a desarrollar su talento; gracias a este país que le ha brindado tantas oportunidades. El deseo de ver crecer a sus hijas le dio fuerzas para poner en marcha su negocio en el año 2000. En 2024, se graduó como joyera tras completar un programa en línea en Londres, lo que le ha abierto aún más puertas. Manusilujewelry es una marca de joyería para mujeres que quieren sentirse guapas, atractivas y femeninas. Para aquellas que siempre buscan diseños únicos y delicados que resalten la feminidad de la mujer. El nombre Manusilu proviene de sus cuatro hijas, por quienes inició este proyecto y que siguen siendo su inspiración hasta el día de hoy.

Claudia nació y se crió en Chile. Allí aprendió a trabajar con tejidos y a tejer. Todo lo que vende lo hace ella misma. Elabora a mano una gran variedad de productos. La mayoría de los diseños se inspiran en su cultura, pero también ha aprendido a combinar diferentes estilos.

Graciela Caro es una artista local originaria de Ciudad de México. Ha traído a Utah las auténticas calaveras de azúcar que ella misma elabora aquí, en el estado. También es creadora de arte popular mexicano relacionado con el Día de los Muertos.

Pamela dirige una empresa artesanal familiar de origen paraguayo dedicada a la elaboración de alfajores de alta calidad. Creen que la gastronomía es el lenguaje más universal y utilizan sus productos como una ventana para compartir y celebrar la cultura latina. Cada pieza se elabora siguiendo métodos tradicionales, lo que garantiza un sabor auténtico que rinde homenaje a su herencia cultural. Al elegir sus productos, no solo disfrutas de un postre de primera calidad, sino que también apoyas un proyecto que busca realzar la identidad de su cultura.

Roxana elabora jabones y champús artesanales a base de plantas, además de productos de cuidado personal formulados con ingredientes totalmente naturales.
Todo comenzó por una necesidad personal: el clima seco de Utah le provocaba sequedad y picor constantes en la piel. A partir de ahí, comenzó a estudiar los beneficios de las plantas y a formular productos que fueran verdaderamente nutritivos y suaves.
Como peruana, se inspira en la riqueza botánica de su país, incorporando ingredientes tradicionales que aportan identidad y beneficios únicos, mezclando tradición y bienestar en cada creación.

Jazmine trabaja con pintura y técnicas mixtas en sus obras bidimensionales. Encuentra inspiración en la naturaleza, la espiritualidad, la ciencia y la cotidianidad de la vida diaria. En su obra utiliza imágenes inspiradas en su herencia mesoamericana. Le inspiran los patrones y los colores que se encuentran en la naturaleza. Para ella es importante utilizar imágenes culturales y expresar su historia ancestral.

Rulas Silver Artisan nació de los momentos entrañables que Carolina pasó con su abuela. Aquellos días estaban llenos de la alegría de crear joyas con abalorios, tocar la guitarra y compartir risas con sus sobrinos y sus abuelos. El sueño de alcanzar la estabilidad económica y expresarse a través del arte echó raíces durante esa época, dejando una huella imborrable.

La creación de joyas se ha convertido en algo más que una artesanía: es un salvavidas que guía a Carolina en su camino para sobrellevar la depresión. Exploró diferentes materiales —madera, arcilla y abalorios— en busca del medio adecuado para dar vida a sus visiones. No fue hasta que descubrió la orfebrería en plata cuando todo encajó de verdad. Hoy en día, se esfuerza por crear joyas únicas y artesanales en plata de ley que cuentan una historia de resiliencia, pasión y arte.

Karina nació en Perú y creció rodeada del rico patrimonio textil y el talento artesanal de su país. Durante más de 30 años, ella y su familia han colaborado con artesanos peruanos que conservan las técnicas tradicionales transmitidas de generación en generación. A través de su marca, comparte piezas artesanales elaboradas con lana de alpaca, lana de oveja, algodón y otras fibras naturales. Cada producto refleja dedicación, identidad cultural y un profundo respeto por sus raíces. Su misión es mantener viva la tradición textil peruana apoyando a los pequeños talleres familiares y promoviendo el verdadero valor de la artesanía hecha a mano: calidad, historia y amor en cada pieza.

Godelio y su familia son artistas textiles originarios de San Pedro de Cajas, Perú, un pueblo de las tierras altas andinas conocido por sus ricas y perdurables tradiciones de tejido. Desde pequeños, aprendieron a cuidar del ganado, hilar la fibra y tejer utilizando un telar de cuatro pedales; habilidades que se han transmitido de generación en generación en su comunidad.
Las piezas se crean utilizando técnicas andinas tradicionales combinadas con un diseño funcional y contemporáneo y una gran destreza artesanal. Producen jerséis, ponchos, bolsos y accesorios tejidos a partir de fibras naturales como la lana de alpaca, oveja y llama, así como algodón.
Están profundamente comprometidos con la preservación de las tradiciones textiles andinas, al tiempo que mantienen a sus familias y honran su cultura.

Cynthia Arazely Ponce Liendo es una orgullosa mujer peruana, madre, soñadora y emprendedora. Llegó a Estados Unidos con una maleta llena de esperanzas y el firme propósito de labrarse una vida mejor para ella y su hija. Yawar nació de sus raíces, de sus recuerdos y de la sabiduría de las mujeres que tejen historias con sus manos.«Yawar»significa «sangre» en quechua, un símbolo de identidad, fuerza y profunda conexión con su herencia. Cada prenda es una obra de arte realizada por mujeres artesanas peruanas que viven en zonas vulnerables, confeccionada a mano con fibras naturales como el algodón Pima y la alpaca, en armonía con la cultura y la sostenibilidad. Yawar no es solo una marca de ropa. Es un puente cultural, un homenaje al arte textil andino y una carta de amor a la ascendencia peruana.

Miguel Romero es de Chihuahua (México), pero lleva casi 20 años viviendo en Salt Lake City. De niño, solía ver a su abuelo fabricar botas y otras cosas interesantes con cuero. Fue entonces cuando comenzó su curiosidad por el arte del cuero. Aunque durante mucho tiempo Romero solo fabricaba pequeños objetos de cuero para familiares y amigos, nunca dejó de practicar. No fue hasta 2018 cuando decidió trabajar con el cuero de forma más «profesional», y desde entonces ha perfeccionado su técnica para ofrecer los mejores productos de cuero hechos a mano. (Calidad por encima de cantidad) es su lema y cree que las cosas deben hacerse con amor para que salgan bien. Cuando se le pregunta por su logotipo, explica que es algo muy mexicano y lleno de historia. Es reconocible y lo diseñó así para poder llevarse a México allá donde vaya.

Laura Ruiz Ortega es una poeta slam multilingüe; su poesía pone de relieve la lengua de sus antepasados y su trayectoria como mujer inmigrante de color que vive en una tierra cuyas fronteras la atravesaron. Ha participado en diversos festivales literarios en Utah, Reno y Ciudad de México. Es la ganadora del Premio Sor Juana de Poesía en Español 2022 y una de las ganadoras del concurso de poemas breves de Button Poetry de 2024, entre otros galardones. Actúa en la calle con su máquina de escribir en español e inglés, creando poesía sobre la marcha para cualquiera que desee un poema. También enmarca sus poemas en bonitos marcos con flores secas.

Gabriel y Verónica Sandoval han tenido el privilegio de colaborar con artesanos de varias comunidades para ayudar a promover el arte de Chiapas a través de sus propios diseños. Lo que comenzó con unos pocos creadores en Zinacantán se ha convertido en una dinámica red de mujeres que siguen preservando y celebrando su patrimonio cultural a través del arte textil.

María es una migrante colombiana de 39 años con una discapacidad, y trabaja con su única mano. Sus creaciones artesanales están hechas con amor, paciencia y dedicación. No son solo prendas para vestir; son piezas que inspiran y elevan tu estilo a otro nivel.